Month: February 2020

the-sundial

10 Seniman Musik Dangdut Terkenal Indonesia

4 years ago
Read Time: 4 minutes
by Caleb Butler

10 Seniman Musik Dangdut Terkenal Indonesia – Dangdut adalah genre yang tidak asing bagi masyarakat Indonesia, musik dangdut sangat populis bagi Indonesia sejak zaman berdirinya negara Indonesia. Musik dangdut berakar pada musik Melayu yang mulai berkembang pada tahun 1940-an. Ritme Melayu sangat kental dengan unsur genre musik dari India dan dipadukan dengan irama musik Arab.

Elemen tabuhan tawon yang merupakan bagian dari unsur musik India dipadukan dengan unsur pelintir dan selaras dengan irama musik yang menjadi ciri khas Irama Melayu adalah awal dari mutasi Irama Melayu ke Dangdut. raja slot

Seiring dengan kemajuan pada bidang politik budaya dan musik nasional Indonesia Melayu juga semakin berkembang hari demi harinya dan lagu dangdut masa kini juga tak jarang suka dipadupadankan dengan musik pop sehingga menghasilkan musik yang modern. Musik dalam genre dangdut memiliki sifat yang elektrik, segar dan beraneka ragam. Musik dangdut sendiri sebenarnya dipengaruhi oleh musik Hindustan, Melayu, Arab dan juga musik rock dan blues. Berbagai rentang kreativitas yang dituangkan pada musik dangdut juga tidak terbatas. Dan sekarang musik dangdut telah menjangkau semua lapisan masyarakat dari kelas bawah hingga kelas menengah dan kelas atau telah memulai kecanduan Seni Musik Dangdut ini. Hingga musik Dangdut juga telah merambah di dunia Disco sudah memainkan Dangdut sebagai Musik wajib, dan tidak asing dengan Stasiun Radio Banyak saat ini yang menyebut dirinya sebagai Radio Dangdut bahkan Stasiun TV Dangdut Indonesia, karena kasih sayang orang-orang dengan irama musik dangdut. www.americannamedaycalendar.com

Sementara genre itu sendiri sering diremehkan dan dirusak untuk ketidaksukaan dan pertunjukan murah, 10 seniman musik dangdut ini sangat dihormati di seluruh Indonesia.

1. Via Vallen

Tidak banyak lagu dangdut yang sepopuler lagu Via Vallen ‘Sayang’, yang mendapat peringkat sebagai video musik Indonesia yang paling banyak dilihat pada tahun 2017. Melalui cara muda dan modern Via genre tradisional menempatkan lagu-lagunya dalam sorotan musik arus utama Indonesia, membuat mereka sangat populer dalam demografis yang lebih besar daripada lagu-lagu dangdut yang khas. Untuk prestasi itu, penyanyi pemenang penghargaan ini mendapat julukan “Pop Queen Koplo”, meskipun keberhasilannya relatif baru.

2. Iis Dahlia

Perjalanan Iis ke bintang adalah perjalanan yang panjang dan menantang. Tetapi ketika dia akhirnya merilis album dangdut keduanya pada tahun 1990, itu sangat fenomenal. Dipuja oleh banyak orang lebih dari sekedar lagu-lagunya, Iis Dahlia secara luas dihormati karena mewakili dangdut dengan cara yang elegan di saat genre dianggap murah dan terlalu sensual. Kepribadian Iis yang dihargai juga menghasilkan banyak penampilan di film dan acara TV. Album terbarunya The Best of Iis Dahlia dirilis pada 2017, 30 tahun setelah debutnya, dan masih banyak dicari di seluruh negeri.

3. Rhoma Irama

Dijuluki ‘Raja Dangdut’, Rhoma Irama masih dianggap sebagai salah satu seniman paling signifikan yang membantu membentuk dan menghadirkan dangdut modern kepada khalayak luas Indonesia. Dengan aransemen musik asli dan unik yang menggabungkan dangdut dengan sedikit rock, Rhoma Irama membawakan lagu-lagu baru yang membuatnya tetap populer dan relevan di luar ketinggian ketenarannya di tahun 1990-an. Albumnya tersebar luas di seluruh Indonesia, bersama dengan banyak film yang dibintanginya. Juga dikenal karena karisma keagamaan dan politiknya, Rhoma Irama sering menyampaikan pesan agama melalui karya-karyanya.

4. Ikke Nurjanah

Lebih dari penyanyi terkenal, Ikke Nurjanah adalah ikon dangdut yang dicintai karena keanggunan dan kerendahan hatinya yang jarang ditampilkan oleh sesama seniman dalam genre dangdut 1990-an. Kepribadiannya yang unik dan produktivitasnya yang mengesankan dalam menciptakan lagu-lagu baru membuat Ikke menjadi bintang internasional; dia sering diundang untuk tampil di luar Indonesia, membawa genre tradisional ke acara-acara seperti Europalia Arts Festival dan ke studio TV asing.

5. Evie Tamala

Evie Tamala adalah salah satu diva dangdut yang paling banyak diakui pada 1990-an. Dia membuat dirinya berbeda dengan genre unik manis dan melankolis pada genre, sering dengan sentuhan blues atau ayunan dalam aransemen musik. Selain 19 albumnya dan banyak singel lainnya, Evia juga berhasil mempopulerkan varian dangdut regional seperti Sunda dan pop-dangdut Jawa. Singelnya,, Dokter Cinta ’,‘ Ketok Magic ’, dan‘ Selamat Malam ’masih populer dan dimainkan secara luas.

6. Inul Daratista

Inul Daratista telah menjadi sangat legendaris sehingga namanya, lagu, dan terutama gerakan tarian ikoniknya Goyang Ngebor dianggap sebagai budaya pop karena mereka dikenal di luar demografi pendengar dangdut. Berawal dari pemain lokal yang sederhana di Pasuruan, Jawa Timur, aksi panggungnya menjadi sangat populer di awal tahun 2000-an, yang kemudian membuka jalan menuju ketenaran nasional. Penyanyi pemenang penghargaan ini juga membintangi film, acara TV, pertunjukan bergengsi, dan sekarang juga seorang pengusaha wanita yang sukses.

7. Elvy Sukaesih

Julukan Elvy Sukaesih sebagai ‘Ratu Dangdut’ memang layak, mengingat karirnya yang mempesona baik sebagai mitra bernyanyi Rhoma Irama dan sebagai pemain solo sejak 1960-an. Banyak dihormati oleh sesama musisi dan musisi dan dipuja oleh penggemar yang luas, Elvy dianggap sebagai salah satu penyanyi dangdut paling berbakat dengan teknik menyanyi yang mengesankan, suara yang manis, dan substansi nyata. Pesonanya juga meluas ke industri film, setelah membintangi lebih dari selusin film.

8. Cici Paramida

Berpengalaman dalam pertunjukan qasidah sejak kecil, Cici Paramida memilih untuk menjadikan dirinya sebagai seniman dangdut, yang juga dipengaruhi oleh qasidah dalam sejarah panjangnya. Sepanjang karirnya, Cici telah merilis lebih dari selusin album, empat di antaranya religius. Dia juga telah berkolaborasi dengan beberapa musisi terbaik bangsa, termasuk Erwin Gutawa. Aktif sejak awal 1990-an, Cici masih memproduksi musik dangdut religius dan sekuler serta tampil on dan off air.

9. Cita Citata

Banyak lagu Cita sangat populer di kalangan audiens yang besar, termasuk single ‘Sakitnya Tuh Di Sini’ dan ‘Goyang Dumang’, yang menduduki puncak berbagai tangga lagu musik di Indonesia. Sangat populer di kalangan generasi muda, Cita juga fenomenal di media sosial; videonya adalah salah satu YouTube yang paling banyak ditonton pada tahun 2015, dan segera setelah dia terdaftar sebagai artis nomor satu yang paling banyak diminta di berbagai stasiun.

10. Ayu Ting Ting

Pertama kali menjadi sensasi nasional setelah lagu 2011 ‘Alamat Palsu’, Ayu Ting Ting terus meningkat popularitasnya dengan lebih banyak lagu, penampilan TV, dan pertunjukan. Ayu telah bernyanyi sejak dia baru berusia 14 tahun, pengalaman yang terbukti dalam keanggunan dan profesionalisme di atas panggung. Diyakini sebagai salah satu penyanyi paling mahal untuk memesan di Indonesia, Ayu sekarang lebih nyaman menjadi dirinya sendiri keluar dan masuk tugas, menunjukkan cintanya pada fashion K-Pop dan Korea dalam pertunjukan dan pertunjukan.

the-sundial

Sejarah Kepopuleran Musik Di Filipina

4 years ago
Read Time: 6 minutes
by Caleb Butler

Sejarah Kepopuleran Musik Di Filipina – CORAZON CANAVE-DIOQUINO .

Filipina, sebuah kepulauan dengan 7.100 pulau, terdiri dari 77 provinsi yang dikelompokkan menjadi 16 wilayah. Kelompok utama termasuk Luzon, kepulauan Visayan, dan kepulauan Mindanao. Berdasarkan agama, populasi dapat dikelompokkan ke dalam tiga kategori besar: kelompok Kristen, kelompok agama pribumi, dan kelompok Muslim. Kelompok-kelompok Kristen adalah yang terbesar dan terkonsentrasi di dataran rendah Luzon dan kepulauan Visayan. Kelompok-kelompok agama pribumi ditemukan di dataran tinggi Luzon, Mindanao dan Palawan. Kelompok-kelompok Muslim terkonsentrasi di Mindanao, pulau Sulu dan Palawan selatan. dewa slot

Meskipun, secara geografis, Filipina milik Timur, musiknya telah sangat dipengaruhi oleh Barat karena 333 tahun kekuasaan Spanyol dan 45 tahun dominasi Amerika. Musik di dusun dataran tinggi dan dataran rendah di mana budaya asli terus berkembang memiliki unsur-unsur Asia yang kuat. Pengaruh Spanyol dan Amerika sangat jelas dalam musik daerah perkotaan. Dalam membahas musik Filipina, ada tiga divisi utama: (1) musik lama yang dipengaruhi Asia yang disebut sebagai pribumi; (2) musik religius dan sekuler yang dipengaruhi oleh bentuk Spanyol dan Eropa; dan (3) musik klasik, semi klasik, dan populer yang diilhami Amerika / Eropa. https://www.americannamedaycalendar.com/

Tradisi Pribumi

Tradisi adat dipraktekkan oleh sekitar 10% dari populasi. Delapan persen dari minoritas ini terdiri dari sekitar 50 kelompok bahasa orang yang tinggal di pegunungan Luzon utara dan pulau-pulau Mindanao, Sulu, Palawan, dan Mindoro di Filipina selatan dan barat. 2% sisanya dari kelompok ini adalah Muslim dari Mindanao dan Sulu.

Meskipun tidak ada informasi tertulis tentang musik di Filipina sebelum kedatangan Magellan pada tahun 1521, laporan berikutnya yang dibuat oleh para biarawan, pegawai negeri dan pelancong termasuk deskripsi musik instrumental dan vokal – kadang-kadang disebutkan secara sepintas, kadang-kadang secara lebih rinci. Dari dokumen-dokumen ini, berbagai jenis penguburan terbuat dari perunggu, bambu, atau kayu dikutip. Ini termasuk gong dari berbagai jenis ukuran dan bentuk, drum, seruling dari berbagai jenis, zithers, kecapi, clappers, dan buzzers. Genre vokal termasuk epos yang berhubungan dengan silsilah dan eksploitasi pahlawan dan dewa; lagu kerja yang terkait dengan penanaman, panen, memancing; lagu-lagu ritual untuk mengusir roh-roh jahat atau untuk memohon berkat dari roh-roh baik; lagu untuk merayakan acara-acara meriah terutama pernikahan, kelahiran, kemenangan dalam perang, atau penyelesaian perselisihan suku; berkabung lagu untuk orang mati; pacaran lagu; dan lagu-lagu permainan anak-anak. Jenis musik inilah yang masih dipraktikkan hingga saat ini oleh kelompok-kelompok pribumi.

Tradisi yang Dipengaruhi Spanyol-Eropa

Dengan kedatangan orang-orang Spanyol, musik Filipina mengalami transformasi dengan masuknya pengaruh Barat, khususnya budaya Spanyol-Eropa yang lazim selama abad ke-17 hingga ke-19. Hispanisation selama tiga abad berikutnya setelah 1521 diikat dengan pertobatan agama. Ini memengaruhi perubahan pemikiran musik rakyat dan apa yang muncul adalah ekspresi hibrida yang diwarnai dengan cita rasa Hispanik. Ini menghasilkan musik religius yang terhubung dengan dan di luar liturgi Katolik dan musik sekuler yang diilhami Eropa yang diadaptasi oleh orang-orang Filipina dan tercermin dalam lagu-lagu rakyat dan musik instrumental mereka.

Tradisi yang Dipengaruhi Amerika

Rezim Amerika berlangsung dari tahun 1898 hingga 1946 ketika musik Filipina mengalami proses transformasi lain.

Dalam sistem sekolah umum yang baru didirikan, musik dimasukkan dalam kurikulum di sekolah dasar dan kemudian di tingkat sekolah menengah. Konservatori musik dan perguruan tinggi didirikan pada tingkat tersier. Lulusan dari lembaga-lembaga ini termasuk generasi pertama komponis Filipina yang karyanya ditulis dalam idiom dan bentuk Barat. Karya-karya mereka dan karya-karya para komposer Filipina generasi berikutnya mewakili tradisi musik seni klasik yang terus berkembang hingga saat ini.

Berdampingan dengan tradisi musik seni klasik ini adalah jenis musik yang lebih ringan. Repertoar semi klasik ini mencakup lagu-lagu daerah bergaya, musik teater, dan musik instrumental. Tradisi sarswela menghasilkan tubuh musik yang besar yang terdiri dari lagu-lagu yang dipola setelah opera arias pada hari itu serta lagu-lagu instrumental pendek dan selingan.

Tradisi band yang kuat di Filipina, yang dimulai pada periode Spanyol sebelumnya dan yang berlanjut hingga hari ini, menghasilkan musisi, komposer dan pemain yang luar biasa. Ensembel instrumental populer lainnya adalah rondalla yang menggantikan jenis ensemble sebelumnya yang disebut cumparsa. Yang terakhir adalah adaptasi dari kelompok instrumental yang sama, murza Meksiko dan estudiantina Spanyol.

Gaya hidup dan budaya pop Amerika memunculkan musik yang diciptakan oleh orang Filipina menggunakan bentuk pop barat. Disebut sebagai Pinoy pop itu mencakup berbagai bentuk: lagu daerah, lagu dansa, balada, lagu jenis Broadway, rock ‘roll, disko, jazz, dan rap.

Tiga aliran utama musik Filipina – asli, Spanyol yang dipengaruhi musik religius dan sekuler, Amerika / Eropa yang dipengaruhi musik klasik, semi klasik, dan populer terdiri dari apa yang kita sebut hari ini sebagai musik Filipina.

JONAS BAES

Rejim kolonial Spanyol dan Amerika kemudian membentuk masyarakat Filipina yang institusi sosial Baratnya dimodelkan sesuai dengan struktur sosial masing-masing. Sementara rezim Spanyol dan Amerika memberikan pengaruh sosial dan budaya, rezim Amerikalah yang mendirikan institusi yang membentuk beberapa struktur masyarakat Filipina modern saat ini. Pembentukan institusi semacam itu dan penyerapan Filipina ke dalam ekonomi politik global juga menciptakan kebutuhan akan bentuk waktu luang yang cocok untuk masyarakat seperti itu. Kondisi sosial ini memunculkan perkembangan musik populer Filipina ke dalam bentuk yang dikenal sekarang.

Musik populer Anglo-Amerika secara luas didengar di aula dan kabaret, termasuk pertunjukan vaudeville di awal abad kedua puluh. Genre-genre musik yang terkenal pada saat itu seperti cakewalk, thefoxtrot, dan ragtime — pelopor dari apa yang akan berkembang sebagai Jazz — dimainkan oleh band-band tari Filipina di kabaret. Vaudeville menunjukkan (bodabil) terdiri dari berbagai tindakan yang termasuk rutinitas komedi slapstick dan ketuk nomor tari selain dari musik populer. Lagu-lagu rakyat Filipina disusun dalam irama tarian untuk menyesuaikan dengan selera Amerika yang muncul. Dengan diperkenalkannya radio, lembaran musik, hiburan langsung dan tema film, musik populer mendapat tempat di arus utama masyarakat Filipina.

Selama invasi Jepang dalam Perang Dunia Kedua, bentuk hiburan Amerika dilarang bersama dengan penindasan nilai-nilai Amerika. Jepang mencap budaya Amerika sebagai dekaden sambil menyembunyikan agendanya sendiri dari ekspansionisme ekonomi dan budaya. Dengan ini, kebajikan pro-Filipina dipromosikan berdampingan dengan kebajikan pro-Jepang dan lagu adalah salah satu media penting untuk menyebarkan nilai ini.

Pada akhir 1940-an ketika dunia membangun kembali dirinya setelah kekacauan Perang Dunia ke-2, bentuk hiburan Amerika muncul kembali di Filipina. Kehadiran militer Amerika, yang menuntut bentuk-bentuk istirahat dan rekreasi, membuat orang-orang Filipina berayun dan terus menjamurnya pertunjukan panggung populer seperti thebodabil. Kemudian, pada 1950-an, versi samba yang dipopulerkan diperkenalkan. Ini diikuti oleh munculnya kelompok-kelompok instrumental yang dikenal sebagai cumbachero (versi lokal dari band Amerika Latin), yang menjadi terkenal di pesta-pesta dan pertemuan sosial lainnya.

Pada 1950-an hingga 1960-an, genre yang lebih baru sebagai musik rock and roll dan musik country menarik bagi generasi muda seniman populer Filipina. Rekan Filipina dari artis-artis Barat terkenal seperti Elvis Presley, Jerry Vale, Buddy Holly, Chuck Berry, dan The Beatles terdengar melalui radio dan terlihat di film-film dan di televisi.

Sementara preferensi untuk seniman asing menang, seniman lokal terus berusaha untuk suara yang berbeda yang dapat disebut sebagai “Filipina”. Upaya sadar untuk mengembangkan suara Filipina (Pinoy Sound) datang pada tahun 1970-an dengan penciptaan musik rock Filipina, dijuluki sebagai Pinoy Rock, Jazz Filipina atau Pinoy Jazz dan balada pop Filipina atau Manila Sound. Upaya awal itu mencapai perkembangan yang signifikan pada akhir 70-an hingga 80-an dengan berkembangnya berbagai gaya pop Filipina.

Pada akhir 70-an, Festival Musik Populer Metro Manila (atau Metro Pop), sebuah kompetisi penulisan lagu untuk para amatir dan profesional, menjadi penyangga untuk penciptaan lagu-lagu pop baru dan pengenalan artis dan pemain yang baru muncul. Kompetisi lokal lainnya menginspirasi bahkan lebih banyak artis dan komposer untuk menciptakan lebih banyak musik. Ini termasuk Likha Awit Pambata (kompetisi lagu anak-anak), Himig Awards, dan theCecil Awards. Itu sekitar periode ini ketika Organisasyon ng mga Pilipinong Mang-aawit (OPM), diciptakan untuk memenuhi kebutuhan seniman populer Filipina. OPM juga merupakan singkatan dari Original Pilipino Music, pegangan untuk musik yang digubah dan / atau dimainkan oleh orang Filipina, bahkan dengan penggunaan lirik bahasa Inggris yang akhirnya.

Upaya untuk menyelidiki lebih dalam pencarian identitas Filipina dalam musik populer dicoba pada akhir 1980-an dan awal 90-an oleh sekelompok komposer yang bersatu untuk membentuk KATHA (tulis / buat). Upaya ini memunculkan gerakan untuk menciptakan Brown Music, sejenis mitra untuk “Black Music” Afrika-Amerika. Output dari komposer multi-penghargaan Ryan Cayabyab untuk memadukan unsur-unsur musik asli dengan idiom pop asing lepas landas untuk memungkinkan seniman non-mainstream seperti Joey Ayala muncul di arena komersial. Ketika dasawarsa 90-an dimulai, semakin banyak seniman alternatif masuk ke arus utama.

the-sundial

Tradisi Musik Di India

4 years ago
Read Time: 5 minutes
by Caleb Butler

Tradisi Musik Di India – Budaya, di India, meskipun beragam, masih mengikat pada budaya adat dari jaman nenek moyangnya dulu. Tarian dan musik India telah memainkan peran luar biasa dalam penyatuan ini. India memiliki warisan besar tarian dan musik klasik. Menggunakan tubuh sebagai media komunikasi, ekspresi tarian adalah

mungkin bentuk seni yang paling rumit dan berkembang, namun mudah dipahami. Musik juga memainkan peran penting dalam agama Hindu. nexus slot

Tradisi musik India harus dipahami dalam konteks kehidupan dan pemikiran India. Ini dikenal sebagai pengalaman mistis, analog dengan yoga. www.mrchensjackson.com

Musik

Qawwali

Musik klasik Qawwali Pakistan dalam bentuknya yang sekarang kembali ke abad ke-12, dan penyair serta komposer Amir. Tetapi musik qawwali mungkin bahkan

lebih tua. Qawwali, sufi dan musik religius terkait erat dengan Islam. Ini klasik, tetapi tidak dalam arti kata barat. Itu benar-benar dibangun dalam berbagai tahap.

Semua dengan ayat dan paduan suara. Tahap pertama mengaktifkan hubungan dengan pembimbing spiritual yang hidup, berikutnya dengan orang-orang kudus yang telah pergi dan akhirnya dengan Allah (Allah). ini

percaya bahwa bentuk musik khayal juga berasal dari gaya bernyanyi qawwali.

Musik daerah

Ritme sejati India terletak pada musik rakyatnya – musik massa. Keragaman budaya yang ekstrem menciptakan varietas gaya rakyat yang tak ada habisnya. Setiap peristiwa kehidupan memiliki

lagu rakyat unik yang terkait dengannya – baik itu festival, kedatangan musim baru, kelahiran anak, atau urusan sehari-hari seperti menggoda orang yang dicintai, mengagumi alam, dll. Musik adalah komponen yang tak terpisahkan dari fungsi-fungsi seperti pernikahan, pertunangan, dan kelahiran. Ada banyak lagu untuk acara-acara seperti itu. Orang India musik rakyat hari ini telah menjangkau untuk menyentuh hati massa di seluruh dunia dengan irama merdu dan energi tanpa akhir.

Ghazal

Ghazal berakar pada puisi Arab klasik. Ghazal adalah kata Arab yang secara harfiah berarti berbicara dengan wanita. Itu tumbuh dari qasida Persia, yang bentuk ayatnya

telah datang ke Iran dari Arab sekitar abad ke-10 M. Qasida adalah pidato yang ditulis untuk memuji kaisar atau bangsawannya. Bagian dari qasida disebut

tashbib terlepas dan berkembang dalam waktu ke Ghazal. India telah menghasilkan beberapa bakat luar biasa di bidang bernyanyi seperti ghazal Begum Akhtar, Jagjit Singh, Pankaj Udha dll.

Musik klasik

Dua elemen mendasar dari musik klasik Hindustan adalah raag dan taal. Musik Hindustan adalah musik India Utara, yang melibatkan Hindu dan Muslim musisi. Ini terkait erat dengan ritual kuil India utara dan melacak keberadaannya di Shastras atau perjanjian kuno dalam bahasa Sansekerta. Berbeda

bentuk-bentuk musik Hindustan adalah – Dhrupad, Dhamar, Khayal, Tappa dan Thumri.

Alat Musik India

Sitar

Mungkin alat musik gesek paling populer dari India adalah sitar. Instrumen string telah mendapatkan popularitas karena string dianggap sebagai yang terbaik

diiringi nyanyian, unsur utama musik India.

Sarod

Sarod adalah alat musik gesek populer lainnya. Tubuh diukir dari sepotong kayu jati yang sudah dibumbui dan perutnya tertutup kulit kambing. Ada empat

string utama, enam irama dan string drone dan lima belas string simpatik, semua terbuat dari logam. Ini dimainkan dengan memukul dengan plectrum yang terbuat dari batok kelapa.

Sarangi

Nama ini berasal dari Sau Rangi yang berarti 100 warna. Ini memiliki tiga hingga empat senar bermain utama dan sekitar selusin senar simpatik. Instrumen tidak memiliki fret

orfingerboard; senar melayang di udara.

Esraj

Esraj adalah kombinasi antara saringda dan sitar. Basis instrumen seperti saringda sementara leher dan senar seperti sitar. Ini memberikan suara yang sangat mirip

Sarang tanpa kesulitan bermain. Ini cukup populer di Benggala Barat.

Tanpura

Ini memiliki empat senar disetel ke tonik. Tanpura dikenal karena suaranya yang sangat kaya. Ada tiga gaya utama; gaya Miraj, gaya Tanjore dan kecil

versi instrumental kadang-kadang disebut tamburi.

Santoor

Santoor adalah instrumen India Utara yang berasal dari Kashmir. Ini memiliki lebih dari seratus string yang berjalan melintasi kotak persegi panjang berongga dan senarnya

dikejutkan oleh sepasang palu kenari tipis berukir.

Vichitra Veena

Vichitra Veena adalah alat musik gesek seperti rudra vina kecuali tidak memiliki fret. Ini dimainkan dengan slide seperti gitar Hawaii.

Biola

Biola diperkenalkan ke India sekitar 300 tahun yang lalu dan merupakan instrumen dawai yang sangat penting di India Selatan. Ini dimainkan dalam posisi duduk dan diadakan di antara keduanya

kaki kanan dan bahu kiri.

Tabla

Tabla adalah sepasang drum. Terdiri dari drum tangan kanan kecil yang disebut dayan dan logam yang lebih besar yang disebut bayan.Fungsi bintik hitam pada masing – masing

bermain permukaan adalah untuk menciptakan timbre seperti lonceng yang merupakan karakteristik dari instrumen.

Pakhawaj

Pakhawaj pada dasarnya adalah versi India utara dari mridangam dan merupakan perwakilan India utara paling umum dari kelas drum berbentuk tong yang dikenal sebagai

mridang. Selama beberapa generasi terakhir tabla telah merebut posisi pentingnya.

Mridangam

Beruang kemiripan yang kuat dengan pakhawaj tetapi ada perbedaan besar dalam konstruksi dan teknik. Ini adalah drum yang paling banyak digunakan dalam musik India Selatan.

Jal Tarang

Instrumen ini adalah seperangkat mangkuk porselen yang diisi dengan air. Setiap mangkuk dipukul dengan palu kayu ringan untuk membuatnya berdering. Jal tarang tidak terlalu umum dan

biasanya ditemukan di iringan penari Kathak.

Dholak

Gendang rakyat yang sangat populer di India utara. Itu adalah barel berbentuk dengan membran sederhana di han sebelah kanan.

Seruling

Suling ditemukan di setiap bagian India, diukir dari bambu, dibuat dalam setiap ukuran yang memungkinkan.

Shehnai

Alat musik tiup buluh ganda dengan tabung pelebaran ke arah ujung bawah. Ada delapan atau sembilan lubang, tujuh teratas untuk bermain dan yang lebih rendah

peruntungan. Shehnai dianggap menguntungkan dan dimainkan pada semua acara meriah di India.

Tarian India

Tarian rakyat

Tarian rakyat India sederhana tanpa naif, karena di balik kesederhanaannya terletak kedalaman konsepsi dan keterusterangan ekspresi yang luar biasa.

nilai artistik. Konsep melukiskan emosi pada umumnya berbicara asing dengan tarian rakyat dan apa yang diungkapkan adalah alami dan asli. Yang penting di sini adalah

bukan anugerah penari individu atau keahlian prosa yang terisolasi, tetapi efek total dari daya apung semangat yang luar biasa, dan fasih, tanpa usaha

kemudahan yang diungkapkan. Ini memiliki hubungan intim dengan fungsi kehidupan sehari-hari; pengumpulan makanan, panen, ritus, ritual dan kepercayaan. Tarian rakyat yang populer

India adalah Ruk Mar Nacha, Purulia Chhau, Rangoli Bihu, Singhi Chham, Karma, Tari Cheraw, Hojagiri, Bardo Chham, Chang Lo, Lahoo dan Thang Ta di

Timur. Bhangra, Charkula, Ghoomar, Spaw Dance dan Kinnauri Nati di Utara. Tari Kalbelia, Koli, Tarangmel, Dandiya Raas, Garba, Tippani Dance, Panthi, The

Tari Padhar, Dharmar, dan Tari Hamchi di Barat. Devarattam, Dollu Kunita, Thapetta Gullu, Garadi, Tari Lava dan Tari Nicobar di Selatan.

Bharatanatyam

Bharata Natyam, yang berasal dari Tamil Nadu, memiliki gerakan ritme murni, membuat cerita secara dramatis dalam suasana hati yang berbeda. Untuk waktu yang lama, Bharat Natyam adalah

dilakukan hanya di kuil oleh penari dalam pelayanan candi, devadasis. Para penari harus belajar bahasa gerak, mudra – untuk mengekspresikan perasaan,

gerakan dan karakter dalam cerita yang dia ceritakan melalui tarian.

Kathak

Bentuk tarian Kathak berasal dari utara. Pengaruh tradisi Mughal terlihat jelas dalam bentuk tarian ini, dan memiliki tekstur Hindu-Muslim yang berbeda. Itu

kata Kathak, berasal dari ‘Katha’, secara harfiah berarti pendongeng. Hari ini, maestro bentuk tarian ini termasuk Birju Maharaj dan Uma Sharma. Kathak memiliki yang menarik

dan kualitas yang menghibur dengan gerak kaki yang rumit dan pirouet yang cepat menjadi fitur dominan dan paling menawan dari gaya ini. Kostum dan tema ini tarian sering mirip dengan yang ada di lukisan miniatur Mughal.

the-sundial

Sejarah Singkat Musik Jerman

4 years ago
Read Time: 7 minutes
by Caleb Butler

Sejarah Singkat Musik Jerman – Jerman telah berkontribusi dan mengubah musik selama berabad-abad. Meskipun diperlukan volume untuk membahas semuanya, berikut ini adalah primer dasar untuk beberapa nama besar dalam musik Jerman dan stylings serta inovasi musik mereka.

Jerman adalah negara yang dikenal luas karena kontribusinya yang tak terhitung jumlahnya kepada dunia. Martin Luther menerjemahkan Alkitab ke bahasa yang bisa dibaca oleh gereja dan memimpin Reformasi Protestan; individu-individu seperti Kant, Hegel, Heidegger, dan Marx membantu membentuk filsafat; Wilhelm Conrad Röntgen, Albert Einstein, Max Planck dan Werner Heisenberg semuanya memenangkan Hadiah Nobel dalam Fisika untuk penemuan ilmiah mereka; Werner Herzog dan Rainer Werner Fassbinder membuat nama untuk film Jerman; dan gerakan modernis seperti Bauhaus membantu membentuk cara kita berpikir tentang desain. Musisi Jerman juga telah membuat tanda nyata pada budaya dunia. slot

Musik Klasik: The Three Bs

Musik klasik Jerman telah menikmati masa pemerintahan beberapa ratus tahun, dimulai pada abad ke-16 dan terus hidup hingga hari ini. Tapi itu adalah komponis lama – khususnya, “tiga B – yang bisa dibilang menempatkan negara pada peta musikal. https://www.mrchensjackson.com/

Dianggap sebagai salah satu komposer paling penting sepanjang masa, Johann Sebastian Bach terkenal karena kontribusinya kepada Baroque, gaya musik yang menampilkan komposisi hiasan yang dibentuk di sekitar progresi akor nada yang kuat. Meskipun musiknya sebagian besar ditulis untuk organ, ia juga menulis lagu untuk harpsichord dan clavichord, bersama dengan sonata dan suite untuk kelompok orkestra dan kamar, dan bahkan potongan yang dimaksudkan untuk dilakukan oleh kelompok paduan suara. Beberapa karyanya yang lebih terkenal termasuk pembuka dan fugues di “The Well-Tempered Clavier,” bersama dengan “Brandenburg Concertos.” Komposer Baroque Jerman berpengaruh lainnya termasuk Johann Pachelbel, Georg Philipp Telemann, dan George FridericHandel.

Era Romantis musik Klasik juga melahirkan segelintir orang Jerman terkenal, terutama Ludwig van Beethoven, yang kesembilan simfoninya dianggap oleh banyak orang sebagai karya terbesarnya. Musik Beethoven dapat dibagi menjadi tiga periode. Periode awalnya, yang dimulai dengan emulasi komponis klasik lainnya, terdiri dari segelintir potongan piano dan kuartet gesek. Kemudian, ia mulai menemukan suaranya sendiri dan memasukkan musik yang bereksperimen dengan tema. Periode pertengahan Beethoven adalah ketika ia mengalihkan fokusnya ke orkestrasi besar, bersama dengan dimasukkannya motif. Selama periode terakhirnya, ketika ketulian Beethoven menjadi lebih jelas, pekerjaannya mengambil kedalaman emosional yang lebih kuat. Komponis romantis penting lainnya pada masa itu adalah Richard Wagner, yang menulis opera. Bahkan, Ludwig II dari Bavaria membangun Neuschwanstein sebagai penghormatan kepada Wagner, seorang pria yang dengannya dia memiliki obsesi yang dipertanyakan.

Yang melengkapi ketiganya dari Bs Jerman adalah pianis Johannes Brahms, seorang tradisionalis dan perfeksionis yang banyak menggunakan tandingan dalam komposisinya. Meskipun ia berusaha keras untuk memenuhi kebesaran Beethoven, Brahms juga menyukai komposer Austria Wolfgang Amadeus Mozart dan Joseph Haydn.

Musik Populer: Kabaret, Ayunan, & Teater

Ketika iklim budaya dan politik di Jerman mengalami perubahan drastis antara perang dunia pertama dan kedua, musik Jerman juga mengalami transformasi. Menghindari fokus pada tradisi musik klasik, orang-orang menginginkan musik yang mengekspresikan perasaan mereka, yang seringkali (walaupun tidak selalu) bersifat politis.

Berbeda dengan Gebrauchsmusik (musik utilitas) pada akhir abad ke-19 dan awal ke-20, musik kabaret pertama kali muncul di Jerman dalam adegan klub tahun 1920-an, yang berfungsi sebagai bentuk musik yang menyenangkan secara budaya dan bersemangat yang memberikan ruang bagi para pemainnya untuk bereksperimen. Marlene Dietrich adalah salah satu tokoh yang lebih populer setelah ia terkenal di film “The Blue Angel,” yang menampilkannya sebagai penyanyi kabaret. Dia bernyanyi dalam bahasa Inggris dan Jerman.

Bersamaan dengan kabaret, banyak orang Jerman – terutama remaja – menyatakan minatnya pada musik swing. Meskipun kelompok swing Jerman yang praktis hampir tidak pernah terdengar, karena ketidaksetujuan partai Nazi terhadap genre, banyak orang dewasa muda memuja musisi Amerika, dan mendengarkan musik swing dianggap sebagai tanda budaya tandingan.

Sekitar waktu yang sama ini, orang-orang seperti Kurt Weill dan Bertolt Brecht juga membuat nama untuk diri mereka sendiri. Yang paling terkenal adalah drama musikal satir yang mereka buat bersama, “The Threepenny Opera,” yang merupakan adaptasi dari opera balada Inggris sebelumnya.

Musik Rakyat: Musik Rakyat dan Schlager

Definisi “musik rakyat Jerman” bervariasi, tergantung pada kerangka waktu dan wilayah geografis yang dimaksud. Secara umum, tradisi lama terdiri dari kelas pekerja dan lagu-lagu politik. Tetapi selama bertahun-tahun, musik rakyat telah bercabang untuk memasukkan kelompok budaya yang berbeda (seperti Swabia dan Sorbia) dan mencakup gaya yang berbeda (seperti band-band kuningan oom-pah yang terkait dengan festival bir dan perancang Bavaria).

Sementara itu, seperti halnya orang Amerika memiliki musik yang mudah didengar atau “soft rock”, Jerman juga memiliki Schlager. Akarnya berakar pada awal abad ke-20, tetapi Schlager mengalami popularitasnya yang sesungguhnya pada 1960-an dan 1970-an dengan musisi seperti Rex Gildo dan Heino. Schlager adalah gaya musik rakyat yang populer, dengan kepekaan pop rock dan balada. Tema-tema liris ringan, sering berurusan dengan cinta dan emosi, tidak berbeda dengan chanson Prancis masa kini.

Musik Berbahasa Jerman: Pop, Neue Deutsche Welle, dan Hamburger Schule

Meskipun musik Schlager adalah bagian dari tradisi pop, ia menempati ceruk khusus yang agak rumit; orang cenderung menyukainya atau membencinya. Tapi kemudian ada musik pop langsung, umumnya dipandang lebih enak dan disukai banyak orang. Contoh klasiknya adalah penyanyi Herbert Grönemeyer. Meskipun banyak orang di luar Jerman mengenalnya hanya dari perannya dalam film “Das Boot,” ia juga artis paling sukses di Jerman, dengan karier yang, sejauh ini, terbentang selama 44 tahun.

Ketika musik New Wave mendapat pengikut di dunia berbahasa Inggris, seniman Jerman meniru suara membantu menciptakan Neue Deutsche Welle, New German Wave. Gaya dan pengaruh musiknya serupa, setidaknya di permukaan, tetapi NDW menampilkan lirik Jerman, yang membuat genre berbeda, berkat suara bahasa Jerman. Sementara lagu hit Nena “99 Luftballons” mungkin adalah contoh yang paling terkenal, pemain lain seperti Trio (ada yang ingat iklan VW?), Nina Hagen, dan Fehlfarben juga mendapatkan pengikut karena gaya musik mereka yang penuh pop dan disintesis.

Sementara itu, gerakan musik Hamburg School (Hamburger Schule) adalah gerakan musik post-modern yang dibentuk pada akhir 1980-an karena banyak alasan yang sama seperti Neue Deutsche Welle. Meskipun itu tidak berorientasi pop atau mainsteam seperti NDW, penekanan pada lirik Jerman adalah benang merah antara keduanya. Banyak yang menganggap kelompok Ostzonensuppenwürfelmachenkrebs sebagai salah satu pendiri Sekolah Hamburg, tetapi mereka tidak pernah mencapai banyak keberhasilan. Itu tidak sampai awal 90-an, ketika band-band seperti Blumfeld dan Tocotronic tiba di tempat, gaya musik ini mulai mendapatkan daya tarik. Label L’Age d’Or adalah rumah bagi banyak band Sekolah Hamburg, dan kemudian, pada akhir 1990-an, Grand Hotel van Cleef dikenal sebagai label yang mendukung kebangkitan Sekolah Hamburg. Tomte, Kettcar, dan Olli Schulz hanyalah beberapa musisi yang masuk daftar kelompok-kelompok pasca-Hamburger Schule.

Musik Elektronik: Krautrock dan Techno

Sementara beberapa penutur bahasa Jerman menggunakan kembali gaya yang ada melalui bahasa, yang lain menyusun genre baru sepenuhnya. Pada akhir 1960-an dan awal 1970-an, gaya minimalis musik elektronik tiba di tempat: Krautrock. Seperti namanya, moniker diberikan kepada musik oleh dunia berbahasa Inggris, dan meskipun banyak band krautrock memiliki kesamaan yang tumpang tindih, tidak ada fitur penentu tunggal. Meski begitu, beberapa band krautrock memiliki kecenderungan psychedelic dan prog rock, dan keyboard dan synthesizer banyak ditampilkan dalam suara. Beberapa contoh yang lebih terkenal yang mencapai ketenaran internasional termasuk Tangerine Dream, Can, Kraftwerk, NEU !, dan Deutsch Amerikanische Freundschaft.

Ketika tahun 80-an tiba, obsesi Jerman terhadap musik elektronik berkembang, dan techno mulai berjalan dari Detroit dan Chicago ke Berlin dan Frankfurt. Pada awalnya, techno berada di bawah tanah, dan ketika DJ Dr. Motte mendirikan Love Parade pada tahun 1989, itu adalah gerakan musik kecil, akar rumput yang dimaksudkan untuk merayakan musik dan perdamaian. Selama bertahun-tahun, ia tumbuh dalam ukuran dan popularitas, seperti halnya penyebaran techno itu sendiri. Musisi seperti Sven Väth dan Paul van Dyk menjadi pemain kunci dalam adegan trance, sementara saudara-saudara Paul dan Fritz Kalkbrenner memantapkan diri mereka dalam adegan minimal.

Adegan techno Jerman masih berkembang pesat di Berlin hari ini dengan generasi baru musisi yang memimpin. DJ seperti Ellen Allien, Modeselektor, Apparat, dan Moderat sebagian besar terkait dengan gerakan IDM selama 20 tahun terakhir. Label seperti Kompakt yang berbasis di Cologne dan BPitch Control Allien merilis banyak techno populer hari ini, meskipun klub terkenal Tresor dan Berghain memiliki label rumah mereka masing-masing, yang dikenal sebagai Tresor dan Ostgut.

Di luar musik, techno juga berfungsi untuk membantu menyatukan kembali Jerman Barat dan Timur pada tahun 90-an, dan hari ini adalah jembatan musik antara berbagai genre dan anggota generasi tua dan muda.

Hip Hop

Agak terkait dengan adegan techno Jerman adalah munculnya hip hop, terutama sebagai seniman techno seperti DJ Koze juga berkolaborasi dengan kelompok hip hop dan rap, seperti Fischmob. Meskipun hip hop dimulai di jalan-jalan New York pada tahun 1970-an, itu tidak sampai akhir 1980-an yang membuatnya ke Jerman. Sejak itu, hip hop telah melihat dirinya terbagi dalam berbagai “sekolah.” Kelompok-kelompok seperti Advanced Chemistry menganggap musik tidak dapat dipisahkan dari politiknya. Sementara itu, Die Fantastischen Vier, Fettes Brot, dan Blumentopf mulai membuat musik yang berfokus pada tema-tema ringan, mengandalkan penggunaan humor dan permainan kata dalam banyak musik mereka.

Selain grup-grup hip hop, banyak artis solo telah menetapkan nama untuk diri mereka sendiri. Rapper Sido dikenal karena gaya musiknya yang “agresif”, sedangkan Samy Deluxe mendapatkan inspirasi dari rap gaya Amerika. Baru-baru ini, “emo rapper” Casper dan “Raop” pemain Cro telah membuat musik hip hop yang menarik bagi generasi muda penggemar musik Jerman.

Musik Rock: Industri, Jerman Timur, Neue Deutsche Härte, Punk Rock

Bentuk musik lain yang tumbuh dari gaya elektronik adalah industri eksperimental, meskipun tidak eksklusif untuk Jerman. Dua pemain utama dalam adegan ini adalah Einstürzende Neubauten dan KMFDM, keduanya dikenal karena penampilan eklektik mereka seperti halnya musik mereka. Einstürzende Neubauten mendapatkan reputasi untuk menerapkan instrumentasi non-konvensional dalam pertunjukan live mereka, dan eksperimen band avant-garde sering melibatkan penghancuran di atas panggung, sedangkan KMFDM membantu musik industri menjadi sedikit lebih utama.

Pada saat yang sama, di Jerman Timur, berbagai band rock juga membuat nama untuk diri mereka sendiri. Salah satu yang paling terkenal adalah The Puhdys, sebuah band yang populer baik di dalam maupun di luar GDR. Puhdys ditandatangani oleh label Amiga yang dikelola pemerintah, tetapi tidak diizinkan memiliki lirik politik. Namun, ini bukan masalah besar, karena banyak band Jerman Timur menjauhi politik sepenuhnya. Band Karat juga menikmati kesuksesan pada saat itu, dan kedua band masih merilis album hari ini.

Band Jerman Timur lainnya, punk rock Feeling B, relatif tidak dikenal di luar GDR. Namun, dua anggota melanjutkan untuk membentuk band Rammstein, yang bisa dibilang salah satu ekspor Jerman yang paling mudah diidentifikasi. Meskipun banyak yang mengklasifikasikan mereka sebagai Neue Deutsche Härte, Rammstein memainkan campuran musik heavy metal dan rock.

Akhirnya, di bagian depan punk rock, band-band seperti Die Ärzte dan Die Toten Hosen terbentuk pada awal 80-an dan masih membuat musik hari ini. Dalam beberapa tahun terakhir, band-band punk rock yang lebih muda seperti Beatsteaks, Donots, dan Turbostaat mulai, dan mereka semua telah menikmati kesuksesan moderat di kancah musik Jerman.

the-sundial

Festival Musik Terhebat Sepanjang Sejarah

4 years ago
Read Time: 4 minutes
by Caleb Butler

Festival Musik Terhebat Sepanjang Sejarah – Festival musik tidak selalu kondusif untuk pertunjukan hebat. Sebagian besar artis tidak mendapatkan waktu sebanyak yang biasa mereka lakukan, dan mereka dipaksa untuk bermain untuk audiens yang belum tentu muncul secara khusus untuk melihatnya. Namun beberapa musisi menghadapi tantangan dan menciptakan momen yang beresonansi lama setelah semua orang pulang.

Mencakup setengah abad, dari Monterey Pop hingga saat ini, pertunjukan terhebat dalam sejarah festival musik membuktikan bahwa ada beberapa hal yang layak untuk dilewati melalui lapangan berlumpur raksasa untuk dilihat. Berapa banyak dari ini yang cukup beruntung untuk Anda temui secara langsung – dan memberi tahu cucu Anda tentang suatu hari nanti? slot online

1. Jack White, Coachella, 2015

Selama set merah-panasnya di Coachella 2015, Jack White meminta penonton untuk mengingat bahwa “musik itu sakral.” Supaya tidak ada yang meragukan kekuatan mistik gitar, bass, dan drum, rocker Detroit yang penuh teka-teki itu menghibur penonton dengan selai solo, sisi -pemotongan proyek dan chestnut White Stripes seperti “Hotel Yorba” dan “Dead Leaves And the Dirty Ground.” www.benchwarmerscoffee.com

Fans memanggil White kembali ke panggung untuk encore dengan menyanyikan hook dari “Seven Nation Army,” sebuah lagu yang biasa dia simpulkan set-nya dengan gaya kemenangan.

2. Dolly Parton, Glastonbury, 2014

Dengan kemewahan seperti biasa dalam setelan jas putih dan berlian imitasi, Dolly Parton menarik semua pemberhentian di Glastonbury. Ratu desa mengetuk tentang lumpur, diguncang dengan Richie Sambora pada membawakan lagu “Lay Your Hands on Me” karya Bon Jovi, dan memainkan tema Benny Hill dua kali pada saksofonnya. Tentu saja, instrumen itu ditutupi dengan rhinestones, dan itu bersinar seperti setiap detik pertunjukan itu sendiri.

3. Riot Fest, 2013

Untuk pertunjukan pertama mereka di AS dalam 22 tahun, dewa-dewa perguruan tinggi yang seharusnya menjadi Replacements yang besar tidak persis memutar balik waktu ke tahun 80-an. Di masa kejayaan mereka, mereka dikenal karena acara mabuk-mabukan, hit-or-miss, sementara pertunjukan reuni Chicago ini cukup ketat dan rapi, meskipun ada beberapa lirik yang cacat oleh penyanyi Paul Westerberg. Tetapi profesionalisme hanya meningkatkan lagu-lagu seperti “Bajingan Muda,” “I Will Dare” dan “Hold My Life,” lagu abadi yang hanya diimpikan oleh penggemar yang lebih muda yang hanya ingin mendengar langsung.

4. Questlove, John Paul Jones, dan Ben Harper, Bonnaroo, 2007

Bonnaroo dikenal sebagai festival utama Amerika yang paling macet, dan “Superjam” tahunan telah menjadi salah satu daya tarik utama acara ini. Sesi jam ini kadang-kadang menyatukan banyak musisi dari latar belakang yang berbeda, tetapi pada 2007, itu hanya Questlove, Ben Harper, dan bassis Led Zeppelin yang ikonis John Paul Jones. Kolaborator yang tidak biasa mengikuti Zep klasik “Good Times, Bad Times” dan “Dazed and Confused” (25 menit terakhir!) Dengan medley encore funky yang menggabungkan “Takhayul” Stevie Wonder dengan Brothers Isley Brothers “It’s Your Thing” dan Sly Stone “Aku Ingin Membawa Anda Lebih Tinggi.” Istilah “trio kekuasaan” jarang begitu tepat.

5. Blur, Glastonbury, 2009

Setelah serangkaian pertunjukan hangat, pahlawan Britpop Blur membuktikan bahwa mereka masih dapat memimpin panggung utama di Glastonbury, sebuah festival yang terakhir kali mereka tajuk 11 tahun sebelumnya. Damon Albarn dan geng berubah dalam set rentang karier yang memuncak dengan run-through encore emosional “The Universal.” Albarn menjadi sedikit berkabut, dan kerumunan menyanyikan nyali darahnya keluar.

6. Outkast, Coachella, 2014

Raja-raja Atlanta dari hip-hop yang mendorong batas meluncurkan tur reuni mereka di Coachella, dan untungnya, mereka memiliki dua akhir pekan untuk mengasah tindakan mereka. Menyusul penampilan yang mengecewakan pada 11 April, keduanya menghancurkannya tujuh hari kemudian, mengemas hit seperti “B.O.B.,” “So Fresh, So Clean,” dan “Hey Ya” ke dalam set yang ketat dan mendebarkan.

7. Pearl Jam, Lollapalooza, 2007

Lima belas tahun setelah bermain slot siang hari di tur Lollapalooza kedua, Pearl Jam memimpin Chicago Grant Park seperti jagoan stadion. Dalam satu-satunya pertunjukkan utama Amerika Utara mereka di tahun 2007, para penyintas grunge Seattle mencampur hits seperti “Even Flow” dan “Do the Evolution” dengan sampul Pink Floyd dan Neil Young klasik. Itu adalah momen bagi band dan festival untuk mengetahui seberapa besar dunia telah berubah sejak awal revolusi alt-rock.

8. Skrillex, Ultra Miami, 2015

Untuk melengkapi apa yang sudah menjadi Ultra 2015 yang penuh dengan tamu, Skrillex meminta teman-teman seperti kolaborator Jack Ü Diplo, penyanyi Kanada Kiesza, dan bintang pop Justin Bieber untuk memberikan kinerja yang memonopoli headline. Juga ada di tangan: Diddy, yang mengguncang topi ember dan bermain hypeman.

9. Arcade Fire, Lollapalooza, 2005

Di bawah sinar matahari Chicago yang terik, Arcade Fire membuat baik di buzz sekitar album debut mereka yang baru saja dirilis, Funeral, dan berubah dalam kinerja terobosan epik. Selama “Lingkungan # 2 (Laika),” banyak anggota kru batu orkestra Montreal ini menggunakan stik drum untuk mengalahkan ritme pada apa pun yang mereka dapat temukan, termasuk tubuh masing-masing. Win Butler dan kawan-kawan akan segera kembali sebagai pemain utama, tetapi sudah, mereka bermain seperti semua Grant Park milik mereka.

10. Phish, Bonnaroo, 2009

Jam legenda Phish akhirnya sempat bermain Bonnaroo pada tahun 2009, dan tentu saja, mereka punya dua malam untuk mengerjakan sihir virtuoso yang aneh. Menutup fest pada hari Minggu, Phish bekerja sama dengan sesama headliner Bruce Springsteen untuk tiga lagu: pokok rock “Mustang Sally” dan Bruce sendiri “Glory Days” dan “Bobby Jean.” sepertinya dia bersenang-senang.

11. Paul McCartney, Bonnaroo, 2013

Hanya karena Anda tahu kurang lebih apa yang akan Anda dapatkan dari Paul McCartney, itu tidak membuat konsernya menjadi kurang menakjubkan. Headlining Bonnaroo pada tahun 2013, Sir Paul menawarkan hampir tiga jam klasik, bersandar pada lagu-lagu Beatles dan melemparkan beberapa hits Wings dan pemotongan mendalam untuk ukuran yang baik. Set reguler berakhir dengan singalong “Hey Jude” yang humongous dan “Live and Let Die.” Yang dipicu oleh piro. Dan, masih ada delapan permata encore yang akan datang.

12. Deadmau5, Lollapalooza, 2011

Bukti bahwa EDM benar-benar menjadi arus utama datang di Lolla ‘11, di mana Deadmau5 menjadi artis elektronik pertama yang memainkan panggung utama festival. Diposisikan di tengah kubus Rubik yang berputar dan terlihat seperti Mickey Mouse iblis, DJ bertopi menggetarkan penonton yang termasuk pendiri festival Perry Farrell, yang menyaksikan dengan putranya yang menunggang kuda-kudaan. Pastor Farrell tahu yang terbaik: Saat pelarian Deadmau5 tidak boleh dilewatkan.

31. The White Stripes, Coachella, 2003

Beberapa minggu setelah merilis album keempat mereka yang terkenal, Elephant, the White Stripes membuat satu-satunya penampilan Coachella mereka. Seperti yang telah mereka lakukan selama bertahun-tahun dalam pengaturan yang jauh lebih kecil, Jack dan Meg White membuktikan bahwa gitar, drum, vokal, dan kepribadian adalah semua yang Anda butuhkan untuk membuat orang lain kesal. Rekan revivalis rock ‘n roll roll’ Interpol, the Hives, dan Libertine juga bermain pada akhir pekan itu, tetapi performa duo Detroit yang diperbarui adalah salah satu yang masih digemari oleh para penggemar.

the-sundial

Instrumen Termudah Dan Terpopuler Untuk Dimainkan

4 years ago
Read Time: 4 minutes
by Caleb Butler

Instrumen Termudah Dan Terpopuler Untuk Dimainkan – Orang tua biasanya pusing dengan kegembiraan dan kebanggaan ketika anak-anak mereka mengatakan bahwa mereka ingin belajar alat musik, tentu saja, bahwa mereka lebih tertarik pada sesuatu yang lebih daripada membenturkan drum pada semua jam malam.

Pertanyaannya kemudian menjadi, instrumen apa? Mungkin anak itu bermimpi untuk menyalurkan batinnya Dave Grohl (Foo Fighters) dan ingin belajar gitar listrik. Atau apakah mereka ingin menjadi master keyboard, atau membunyikan saksofon, atau membunyikan keindahan biola. premium303

Pilihannya sangat pribadi. Instrumen apa pun yang dipilih, ada sejumlah guru di luar sana yang siap untuk menyampaikan pengetahuan mereka. Banyak guru sekarang menggunakan perangkat lunak pendidikan musik untuk memudahkan siswa untuk tetap di jalur dan memberi tahu orang tua tentang kemajuan mereka. https://www.benchwarmerscoffee.com/

Berikut adalah daftar 12 instrumen paling populer untuk dimainkan, diperoleh dari berbagai sumber:

1. Piano / Keyboard

Beberapa ahli memisahkan keduanya, dan mereka memang memiliki kegunaan yang berbeda, tetapi dasarnya sangat mirip. Beberapa instruktur percaya bahwa belajar bermain piano harus menjadi prasyarat untuk mempelajari instrumen lain. “Meskipun menjadi instrumen tunggal, piano mencakup spektrum penuh instrumen apa pun yang ditampilkan dalam orkestra,” menurut La Habra dan Corona Music Center. Ini mengajarkan koordinasi antara tangan dan antara tangan dan mata.

2. Gitar

Munculnya musik rock telah mengangkat popularitas gitar. Gim video ini disebut “Guitar Hero,” bukan “Piano Hero,” karena suatu alasan. Beberapa artikel bahkan menempatkan gitar di bagian atas daftar. Seperti piano, dapat dimainkan solo atau dalam kelompok, dan dapat mengajarkan koordinasi tangan-ke-tangan dan mata-vital. Ada juga beberapa varietas, seperti listrik, akustik dan bass.

3. Biola. Meskipun paling sering dikaitkan dengan musik klasik – pemain biola pertama, setelah semua, kedua konduktor dalam urutan kekuasaan orkestra – telah muncul di beberapa genre musik lainnya. “Ini cukup mudah dipelajari dan Anda dapat membeli ukuran yang berbeda, yang menjadikan ini alat yang hebat bagi anak-anak untuk memulai,” menurut situs web Creative School of Soul.

4.Gendang

Ya, orang tua dan saudara kandung kemungkinan akan membutuhkan headphone peredam bising, tetapi drum juga merupakan cara yang baik untuk belajar disiplin musik, karena memahami nuansa instrumen akan menghilangkan keinginan untuk sekadar menggedor. Ini sangat integral bagi banyak genre musik, dari klasik hingga rock hingga jazz, sehingga harus selalu menjadi salah satu instrumen yang paling populer.

5. Saksofon

Saksofon adalah alat musik tiup paling populer dan sangat diinginkan oleh orkestra sekolah. Tersedia dalam semua rentang suara dari alto hingga contrabass – meskipun alto dan tenor adalah yang paling menonjol – mereka datang dalam semua bentuk dan ukuran dan berguna dalam berbagai genre, meskipun mereka paling dikenal untuk jazz.

6. Seruling

Instrumen yang hening dan sangat portabel, sangat mudah dipelajari, menurut blog Ambient Mixer, dan tidak memerlukan biaya terlalu banyak. Ini juga dapat digunakan sebagai batu loncatan ke instrumen lain. Meskipun terutama instrumen klasik, ia telah beradaptasi dengan genre lain dan merupakan instrumen dasar untuk grup rock 1970-an Jethro Tull.

7. Klarinet

Banyak siswa memulai pelatihan musik mereka dengan perekam di kelas musik sekolah dasar, dan peningkatan klarinet adalah hal yang wajar. Ini adalah angin kayu dan, seperti seruling, kecil, ringan dan serbaguna. Klarinet adalah pokok dari orkestra klasik dan jazz.

8.Selo

Untungnya, ruang untuk siswa yang lebih muda tidak terlalu besar, tetapi mereka menjadi cukup berat seiring bertambahnya usia siswa. Ini adalah instrumen dawai kunci, bersama dengan biola dan biola, dan digunakan sebagian besar dalam orkestra simfoni dan kuartet ruang. Itu dapat menyertai hampir semua instrumen, dan ada beberapa solo dalam repertoar.

9. Terompet

Raja instrumen kuningan digunakan di hampir setiap genre. Merupakan bagian integral dari bagian kuningan orkestra simfoni, terompet juga penting untuk jazz, R&B dan beberapa ansambel rock. Tersedia dalam berbagai ukuran, ini membantu meningkatkan keterampilan motorik dan, seperti yang dinyatakan oleh blog Alat Musik Instrumen Norman, bahkan dapat melatih otot perut.

10.Suara

Ya, nada mellifluous dari suara bernyanyi adalah instrumen – dan mungkin instrumen yang paling penting dalam paduan suara, pop, rock, R&B, country dan banyak bentuk jazz. Kuartet toko pangkas rambut dan Cappella tidak akan ada tanpanya.

Belajar menyanyi dengan baik mengarah pada pernapasan yang terkontrol, dan tidak ada alat untuk menyeretnya. Instruktur, baik yang berbasis sekolah dan mandiri, dapat membantu orang tua dan anak-anak memutuskan instrumen mana yang terbaik untuk mereka.

11. Harpa

Harpa adalah alat musik dawai yang memiliki sejumlah dawai individual yang berjalan menyamping ke papan suara; senar dipetik dengan jari. Dari segi ukuran, banyak harpa yang lebih kecil dapat dimainkan di pangkuan, sedangkan harpa yang lebih besar cukup berat dan bersandar di lantai. Tidak seperti alat musik tiup dan senar yang tertekuk, harpa terdengar hebat sejak hari pertama dan relatif mudah dimainkan sederhana dan mudah. bagian yang memuaskan setelah hanya beberapa pelajaran. Namun, harpa adalah instrumen yang sulit untuk dimainkan dengan standar tinggi. Harpa lantai (yang duduk di lantai) adalah pilihan yang lebih baik untuk pemula daripada harpa putaran untuk pemula, karena harus menyeimbangkan atau menahan harpa dengan cara tertentu dapat mengganggu belajar teknik bermain yang tepat. Harpa datang dalam berbagai ukuran dan ada berbagai musik yang sesuai dengan selera pribadi Anda baik pada tuas atau kecapi pedal.

12. Gitar bass

alat musik gesek yang serupa dalam penampilan dan konstruksi dengan gitar listrik, tetapi dengan leher dan skala panjang yang lebih panjang, dan empat hingga enam senar. Gitar bass adalah instrumen transposing, dimainkan terutama dengan jari atau ibu jari, dengan mencabut, menampar, menepuk, memetik, mengetuk, memukul, atau memetik dengan plectrum. Ini sering merupakan instrumen solo dalam jazz, fusi jazz, Latin, funk, progressive rock dan gaya rock dan metal lainnya. Belajar bermain bass sama sulitnya dengan belajar cara bermain gitar enam senar. Jika Anda tidak yakin dengan kemampuan bermusik Anda, gitar bass adalah instrumen yang sempurna untuk memulai. Dengan gitar biasa, pemain sering harus menghafal akord panjang. Pada gitar bass, Anda dapat memainkan lebih banyak lagu hanya dengan satu not. Ini memudahkan pemain baru.

Tugas pemain bass adalah untuk memberikan dorongan ritmis dengan bekerja tangan dan sarung tangan dengan drummer. Musisi double bass siap dicari untuk tampil dalam kapasitas profesional. Jika Anda berencana untuk mengejar karir sebagai musisi profesional, bassis berbakat memiliki kaki karena mereka dapat menyesuaikan gaya bermain mereka untuk mencocokkan hampir semua genre musik. Seorang pemain gitar bass biasanya memiliki waktu yang jauh lebih mudah menemukan pekerjaan daripada pemain gitar. Terlebih lagi, bermain gitar bass atau alat musik lainnya menghasilkan jenis kesenangan khusus yang mempengaruhi hidup Anda secara positif. Ini bermanfaat bagi kehidupan sosial Anda, kehidupan pribadi, kesehatan, kemampuan mental, dan bidang kehidupan Anda yang lain.